Por: Waili Gamboa.
La música del Renacimiento,
es la música clásica Europea escrita entre los años 1400 y 1600.
El ascenso
de la burguesía como clase social, las ideas del Humanismo y el
invento de la imprenta produjeron una extraordinaria y nueva difusión de la
música culta. Esta pasó de ser un privilegio sólo al
alcance de la nobleza y el alto clero, y ejecutada exclusivamente por
profesionales, a ocupar también un lugar en el ocio de las clases medias.
Martín
Lutero consideró que el pueblo se sentiría más integrado en las celebraciones
litúrgicas si podía cantar en su propia lengua y no en latín.
A diferencia de la
escultura, la pintura y la arquitectura, en la música no se conocía con precisión
la música de la antigua Grecia y Roma, así que no hubo una restauración, sino
una culminación del periodo anterior.
Una de las características
de la música en el Renacimiento fue la polifonía, o “el arte de combinar sonidos simultáneos en que cada uno
expresa su idea musical, pero formando con los demás un todo armónico”[1]
según las leyes del contrapunto (uso de terceras y sextas, exclusión de las
quintas y octavas).
El intervalo armónico más aceptado era la
tercera.
Habían compases perfectos y compases
imperfectos, los perfectos, eran los terciaron, porque era la representación de
la trinidad (padre, hijo, y espíritu santo) y los imperfectos los binarios, o
cualquier otro que no fuera de 3, 6 o 9,
más adelante los músicos se separaron de esa idea.
La unidad de pulso era la semibreve, o redonda, lo podemos explicar de esta forma: en la
actualidad, una negra puede equivaler a dos corcheas o tres que se escribirían como un tresillo. En la misma lógica se puede tener dos o tres valores más cortos de la
siguiente figura, la mínima (equivalente a la moderna blanca)
de cada semibreve[2].
La
popularización de la notación mensural blanca[3]
se dio porque entro el papel a sustituir el pergamino, y el papel, al ser más
débil no soportaba que se rellenaran las notas. Más tarde, el relleno de las
notas (ennegrecimiento) fueron usados para indicar imperfecciones. La notación
que se usaba en las partituras se llamaba neumática.
En esta época hubo un
progresivo aumento a las voces, dónde todas tenían un papel protagónico,
haciéndose casi exagerado con obras que tenían hasta más de 20 voces sonando a la vez. Así como se amplió el número de
voces, en los instrumentos se amplió el registro, por ejemplo se crearon flautas de pico soprano, alto,
tenor.
La misa parodia o de
imitación consistía en utilizar material melódico y armónico, copiar incluso
fragmentos completos pero agregando voces como ocurre en la Misa Malheur me bat de Josquin Desprez, basada en una
canción de Ockeghem, o la Misa Mille regretz de Cristóbal
de Morales, basada a su vez en una canción de
Josquin.
En
el género religioso, las formas musicales eran la misa y el motete[4],
en el género profano eran el madrigal[5],
el villancico[6] y la chanson[7].
La música instrumental tenía
su propio sistema escritura para cada instrumento, llamado tablatura,
aunque era muy común en la época la improvisación, por lo que casi no se
produjeron partituras ni tablaturas.
La técnica para tocar los
instrumentos no estaba escrita, se transmitía oralmente.
La notación que se usaba en
las partituras se llamaba neumática.
Entre 1410
y 1450, en la llamada “primera generación” hubo una fuerte influencia inglesa,
donde se utilizaban terceras y sextas; desapareciendo
los rasgos de la música medieval tardía, tales como la isorritmia[8] y la sincopación[9]; aunque se perdió complejidad rítmica, se ganó en vitalidad
rítmica y el empuje armónico cadencial; en la enseñanza escolástica estaba
prohibido el uso de quintas y octavas paralelas y la restricción de las
directas, enseñanza que aún está vigente.
En
la “segunda generación”, entre 1450 y 1480 se afianzaron las nuevas reglas del
contrapunto, consolidándose la polifonía imitativa, se usaron extensamente las
técnicas del canon[10].
En
la “tercera generación” entre 1480 y 1520 el estilo era claro, limpio y
elegante se convierte en modelo de estilo polifónico para toda Europa: cadencias
claras y frecuentes, secciones a dos o tres voces. Durante las décadas de
inicio del siglo XVI la convención musical de un tactus (pensemos en el moderno
compás) de dos semibreves=una breve comenzó a ser tan común como el de tres
semibreves=una breve, como había sido habitual hasta entonces[11].
En
la “cuarta generación” entre 1520 y 1550, tienden a aumentar el número de voces
(típicamente cinco), homogeneizar la textura, alargar frases, volviéndose de
algún modo así a las maneras más complejas y refinadas.
En la
“quinta generación”, entre 1550 y 1600 vino a cultivar un fluido estilo de
contrapunto en la cual las disonancias eran seguidas por consonancias en cada
pulso, y los retardos o suspensión eran
muy habituales; se cuestionó el empleo indiscriminado de los modos
eclesiásticos y paulatinamente se fue adoptando el sistema de escala, mayor y
menor; fueron comunes las composiciones instrumentales, que se acompañaban en
grupos de cuatro instrumentos o más, si el grupo estaba formado por instrumentos
de la misma familia, pero de tamaños diferentes, se denominaba
"consort".
Bibliografía:
v ATLAS, Allan W. La música del
Renacimiento. Editorial Akal. Madrid,1998.
v GALLICO, Claudio: Historia de la música, (Capítulo 4: La época
del humanismo y del Renacimiento). Editorial Turner. Madrid, 1986.
v Recuperado
de: http://www.slideshare.net/Labeja/el-renacimiento-11202630. 30
Marzo.
v Recuperado
de: http://www.icarito.cl/enciclopedia/articulo/segundo-ciclo-basico/educacion-artistica/artes-musicales/2009/12/366-5966-9-la-musica-en-el-renacimiento.shtml. 29
Marzo 2013.
v Recuperado
de: http://nukithepianist.wordpress.com/la-musica-en-el-renacimiento/ .29
Marzo 2013.
v Recuperado
de: http://www.taotv.org/2011/05/28/compositores-de-la-musica-renacentista/ .
30 Marzo 2013.
v Recuperado
de: http://www.musicaliturgica.com/cantospolifonicos/. 31
Marzo 2013.
v Recuperado
de: http://renacimib.blogspot.com/2009/05/madrigal.html. 1
Abril 2013.
v Recuperado
de: http://renacimib.blogspot.com/2009/04/el-villancico-es-la-forma-predominante.html. 1
Abril 2013.
v Recuperado
de: http://caminodemusica.com/renacimiento/la-%E2%80%9Cchanson%E2%80%9D-francesa-del-renacimiento-clement-janequin-escuela-franco-flamenca. 1
Abril 2013
v Recuperado de: http://cpms-estilosyformas.blogspot.com/2010/03/isorritmia.html. 30 Marzo 2013.
[1] Tomado de: http://www.musicaliturgica.com/cantospolifonicos/. 31 Marzo 2013. 9:48pm
[2] Explicación en conversación sostenida
con Juan Manuel Andrade Gamboa, maestro en piano de la Universidad Juan N.
Corpas. Bogotá, 2013.
[3]
Notación musical es el nombre genérico
de cualquier sistema
de escritura utilizado para
representar gráficamente una pieza musical, permitiendo a un intérprete que la ejecute de la manera deseada por
el composición. "Mensural" se refiere a la capacidad de este
sistema de indicar ritmos complejos con gran exactitud y flexibilidad.
[4] El motete es una
composición polifónica de texto bíblico, con una melodía ya existente.
Posteriormente el motete se convirtió en una obra vocal a capella.
[5] Composición de 3 a 6 voces, compuestos en
su mayoría para voces a capella , y en algunos casos con instrumentos doblando las partes vocales.
Tomado de: http://renacimib.blogspot.com/2009/05/madrigal.html. 1 Abril 2013.
[6] De origen popular y compuesto a varias voces. Después comenzaron a
cantarse en las iglesias y a asociarse específicamente con la Navidad. Tomado
de: http://renacimib.blogspot.com/2009/04/el-villancico-es-la-forma-predominante.html. 1 Abril 2013.
[7] Las primeras chansons fueron para dos, tres o cuatro voces
que cantaban en francés. Algunas veces, los cantantes eran
acompañados por música instrumental. Ligeras, rápidas, rítmicas, silábicas.
Utilizan el metro binario. La melodía está en la voz superior. Los temas de sus
textos son variados, aunque predomina el amoroso. Tomado de: http://caminodemusica.com/renacimiento/la-%E2%80%9Cchanson%E2%80%9D-francesa-del-renacimiento-clement-janequin-escuela-franco-flamenca. 1 Abril 2013.
[8]
Hacen
referencia a una técnica de composición
musical que sigue un patrón o
esquema fijo de alturas y repite un ritmo característico a lo largo de una pieza musical, aunque las notas cantadas sean distintas. Tomado de: http://cpms-estilosyformas.blogspot.com/2010/03/isorritmia.html. 30 Marzo 2013.
[9] La síncopa en música es
la estrategia compositiva destinada a romper la regularidad del ritmo.
[10] El canon es una forma de composición musical de carácter polifónico basada en la estricta
imitación entre dos o más voces separadas por un intervalo temporal.
[11] Explicación en conversación sostenida
con Juan Manuel Andrade Gamboa, maestro en piano de la Universidad Juan N.
Corpas. Bogotá, 2013.
No hay comentarios:
Publicar un comentario